Las pinturas de Leonardo da Vinci son hermosas y están llenas de misterios. Son llevados a un grado de perfección inconcebible, porque el maestro trabajó en cada una de sus creaciones durante varios años.
Nuestra clasificación enumera todos las mejores pinturas de Leonardo da Vinci, con fotos, nombres e información detallada sobre cada uno de ellos. La lista no incluía dibujos de invenciones, caricaturas, así como pinturas, por lo que los historiadores del arte tienen dudas de que pertenezcan al pincel de Leonardo. Además, las copias de pinturas que no han sobrevivido hasta nuestros días no están incluidas en la selección.
18. hombre de Vitruvio
Años de escritura: 1490.
Dónde está: Galería de la Academia, Venecia.
Materiales: papel, pluma, tinta, acuarela.
Dimensiones: 34,3 x 24,5 cm.
Si dices que esto no es una pintura, sino un dibujo, entonces tendrás toda la razón. De hecho, el hombre de Vitruvio es un dibujo, ilustración, realizado por Leonardo para el libro del gran arquitecto romano antiguo Mark Vitruvius y colocado en uno de sus diarios.
Sin embargo, este dibujo no es menos famoso que las pinturas que figuran en nuestra lista. Se considera no solo una obra de arte, sino también una obra científica. Y demuestra las proporciones ideales del cuerpo humano.
Después de estudiar matemáticas y geometría, en particular, el trabajo de Vitruvio, la sed de conocimiento de Leonardo alcanzó su cenit. En el Hombre de Vitruvio, aplicó la idea de simetría universal, la proporción áurea o la "proporción divina" no solo al tamaño y la forma, sino también al peso.
- 6 palmas = 1 codo;
- longitud desde la punta de la base más larga a la más baja de 4 dedos = 1 palma;
- 4 palmas = 1 pie;
- brazo ancho = altura;
- 4 palmas = 1 paso;
- 4 codos o 24 palmas = altura de una persona.
Otras pinturas mundialmente famosas de Leonardo da Vinci, que incluyen el principio de la proporción áurea, son Mona Lisa, La Anunciación y La Última Cena.
17. Madonna y clavel
Años de escritura: 1478 — 1480.
Dónde está: Antigua Pinacoteca, Munich.
Materiales: pintura al óleo sobre una pizarra.
Dimensiones: 42 x 67 cm.
Muchos historiadores del arte atribuyen este trabajo al joven Leonardo, cuando todavía era aprendiz en el taller de pintura de Verrocchio. Hay una serie de detalles que respaldan esta versión, por ejemplo, detallar la cara de la Virgen, dibujar su cabello, el paisaje fuera de la ventana, así como la luz suave y difusa característica del artista italiano.
Desafortunadamente, los años no perdonaron la imagen, y debido a una restauración inadecuada, la superficie de la capa de pintura se volvió desigual.
16. La Anunciación
Años de escritura: 1472 — 1476.
Dónde está: Uffizi, Florencia.
Materiales: pintura al óleo sobre una pizarra.
Dimensiones: 98 x 217 cm.
Fue con la Anunciación que comenzó como artista de Leonardo da Vinci. Esta pintura supuestamente fue creada en colaboración con Andrea del Verocchio, en el estudio que le dieron a la edad de 14 años. A favor de la autoría del futuro famoso maestro italiano, habla una precisión anatómica sorprendente, característica de todas las obras de Leonardo, así como una serie de bocetos en diarios existentes. A favor de la autoría de la otra persona, la naturaleza de las pinceladas y la composición de las pinturas utilizadas por María; contienen plomo no característico de da Vinci.
Curiosamente, si observa la imagen que se encuentra directamente frente a ella, notará algunos defectos en la anatomía. Por ejemplo, la mano de Mary parece un poco más larga de lo que es típico para los habitantes comunes del planeta Tierra. Sin embargo, si vas al lado derecho de la imagen y miras desde allí, la mano de Mary se acorta mágicamente, ella misma se hace más grande y el centro de gravedad de la trama se transfiere a su figura, según lo prescrito por la trama. Lo más probable es que la supuesta incorrección en el físico sea el resultado de una ilusión óptica cuidadosamente diseñada: la imagen debería haber colgado en ángulo con el espectador.
15. El bautismo de Cristo.
Años de escritura: 1476
Dónde está: Uffizi, Florencia.
Materiales: pintura al óleo sobre una pizarra.
Dimensiones: 177 x 151 cm.
Y Leonardo fue coautor de este trabajo con su maestro. Según Giorgio Vasari, quien compuso la biografía del artista, Verocchio instruyó al joven aprendiz (al momento de escribir la pintura, Leonardo tenía 24 años) para escribir la figura de un ángel de pelo blanco en la esquina izquierda de la pintura. Los maestros estaban tan impresionados con la habilidad del estudiante que él, deshonrado, ya no se dedicaba a la pintura.
14. Retrato de Ginevra de Benchi.
Años de escritura: 1474 — 1478.
Dónde está: Galería Nacional de Arte, Washington.
Materiales: pintura al óleo sobre una pizarra.
Dimensiones: 38,8 x 36,7 cm.
Una corona de ramas de laurel y palma en la parte posterior de la imagen insinúa que la mujer no es simple. La primera corona indica sus estudios poéticos, y la segunda, que no es ajena a la misericordia y la compasión. Esta impresión está respaldada por la belleza estricta y algo severa de la modelo, su pálida piel de alabastro y sus párpados, como si se pensara, durante siglos. La ausencia casi completa de joyas y ropa modesta enfatizada indican sus ocupaciones intelectuales. Y es cierto: la pintura representa a la poetisa Ginevra de Benchi.
La forma de la imagen (especialmente el sombreado con los dedos: Leonardo acaba de comenzar a dominar esta técnica, por lo que la capa de pintura es desigual en algunos lugares) ya habla en voz alta sobre el dominio del creador. Iluminación suave especialmente característica y el paisaje en el fondo, como si estuviera envuelto en una bruma luminosa.
13. Madonna Benoit
Años de escritura: 1479 — 1481.
Dónde está: El Hermitage, San Petersburgo.
Materiales: pintura al óleo sobre lienzo.
Dimensiones: 48 x 31,5 cm.
"El fantasma de una anciana" con un "cuello arrugado", "un cuerpo hinchado" y una "sonrisa sin dientes" - estas palabras poco halagüeñas fueron descritas por un historiador de arte estadounidense que fue comisionado por los propietarios, la familia Benois, para establecer la autoría. A pesar de todos los coloridos epítetos, todavía lo atribuía como perteneciente al pincel de Leonardo da Vinci, tanto el estilo de escritura como la suave luz difusa inherente al artista, creando sin esfuerzo el volumen de dos figuras, hablan a favor de esto.
Uno de los detalles simbólicos es una planta crucífera, que insinúa qué destino le espera al niño. Sin embargo, ni la madre ni el bebé lo saben aún. Él juega despreocupado, y ella lo mira con una sonrisa.
12. Adoración de los magos
Años de escritura: 1479 — 1482.
Dónde está: Uffizi, Florencia.
Materiales: pintura al óleo sobre una pizarra.
Dimensiones: 246 x 243.
Desafortunadamente, una de las pinturas del gran artista, escultor, científico e ingeniero del Renacimiento permaneció sin terminar. Leonardo se mudó a una residencia en Milán y no iba a volver. Afortunadamente, los clientes conservaron la imagen inacabada. Es notable por su composición no estándar y su rico significado simbólico.
Por ejemplo, María se sienta debajo de un roble, que es un símbolo de la eternidad, una palmera crece en la distancia, un signo de Jerusalén y las ruinas de un templo pagano en el horizonte, la destrucción de la religión pagana, que desplazó al cristianismo.
11. San Jerónimo en el desierto
Años de escritura: 1480 — 1490.
Dónde está: Pinacoteca del Vaticano.
Materiales: pintura al óleo sobre una pizarra.
Dimensiones: 103 x 75 cm.
A pesar de que la imagen quedó sin terminar, causó una fuerte impresión en los contemporáneos. Esto se debe principalmente a la sorprendente precisión anatómica de la imagen del cuerpo humano, por la que Leonardo era famoso.
Un destino difícil aguardaba la imagen: después de un tiempo, el trabajo se cortó y las tablas se utilizaron para los propósitos más básicos. Se alega que parte de la imagen, uno de los amantes del arte encontró en forma de una tapa del cofre.
10. Madonna Litta
Años de escritura: 1478 — 1482.
Dónde está: Ermita.
Materiales: temple, tablero.
Dimensiones: 42 x 33.
El dominio del gran artista italiano se manifestó, entre otras cosas, en detalles que contaban una especie de historia. Por ejemplo, el vestido rojo de una mujer está equipado con cortes especiales para alimentar, uno de los cuales está cosido. Aparentemente, ella tomó la decisión de que era hora de dejar de amamantar. Pero uno de ellos tiene prisa por darse la vuelta: las puntadas y los extremos colgantes del hilo son visibles.
9. Madonna en las rocas
Años de escritura: 1483-1490 y 1495-1508.
Dónde está: El Museo del Louvre y la Galería Nacional de Londres.
Materiales: pintura al óleo sobre una pizarra.
Dimensiones: 199 x 122 cm
En el mundo hay dos obras casi idénticas de Leonardo con el mismo nombre. Uno de ellos está en París y el otro en Londres. La primera versión de da Vinci se ordenó para el ala del altar, con una trama claramente definida. Sin embargo, el artista, aparentemente, consideró que su talento y habilidad le dan derecho a algunas libertades. Como resultado, había tantos de ellos que los clientes se negaron a pagar por el trabajo. Comenzó una demanda de larga data, que, sin embargo, terminó relativamente bien. La segunda versión comenzó a colgar en la iglesia, y la primera desapareció de los radares artísticos durante aproximadamente cien años y medio, hasta que fue descubierta en el tesoro de los reyes franceses.
Como muchas otras pinturas de Leonardo, esta está llena de mensajes cifrados. El ciclamen junto a Jesús simboliza el amor, la primavera, la virtud, el acanto, la resurrección venidera y la hierba de San Juan, la sangre derramada por los mártires cristianos. Fue esta imagen la que el autor del aclamado "Código Da Vinci" intentó utilizar como ilustración de sus construcciones, donde afirmó que, de hecho, el significado de la trama tradicional es completamente diferente.
8. Retrato de un músico.
Años de escritura: 1485 — 1487.
Dónde está: Biblioteca Ambrosiana, Milán.
Materiales: pintura al óleo sobre una pizarra.
Dimensiones: 43 x 31.
La única imagen de retrato de un hombre entre las famosas pinturas de da Vinci. Inicialmente, los críticos de arte creían que la pintura representa al propio duque de Milán, el patrón y amigo de Leonardo da Vinci (en la medida en que una persona que ocupa un puesto público en general puede ser otra persona). Hasta que posteriormente se descubrió que el joven estaba agarrando un pergamino en sus manos, comenzando con las palabras "canción angelical". Por lo tanto, la imagen pasó a llamarse "Retrato de un músico". Y varios críticos de arte asumen audazmente que se trata del propio Leonardo, porque la música también entró en su esfera de intereses.
7. Dama con armiño
Años de escritura: 1488 — 1490.
Dónde está: Museo Czartoryski, Cracovia.
Materiales: pintura al óleo sobre una pizarra.
Dimensiones: 54,8 x 40,3 cm.
Aunque a veces se cuestionaba la autoría de un brillante artista italiano, en este momento los críticos de arte coincidieron: esta es una de las mejores pinturas de Leonardo da Vinci, si no la más perfecta desde un punto de vista pintoresco. Se cree que la artista, que adoraba los acertijos y las cifras, en la imagen de un animal blanco en los brazos de la modelo cifró su nombre. En latín, la familia Kunih se llama vendaval, y el nombre de la niña es Cecilia Gallerani.
La piel de armiño blanco como la nieve (y es muy probable que esté representado en el retrato) es un desafío audaz al estado algo dudoso de una contención del duque de Milán. Según la creencia popular, este animal aprecia tanto su pelaje blanco inmaculado que es más probable que muera que mancharlo con tierra.
6. La última cena
Años de escritura: 1495 — 1498.
Dónde está: Templo de Santa Maria delle Grazie, Milán.
Materiales: fresco.
Dimensiones: 460 x 880 cm.
Una de las pinturas más famosas de Leonardo da Vinci no es esencialmente tal. Este es un tipo de experimento más grande y sin éxito del gran científico italiano. A finales del siglo XV, el duque de Milán ordenó al ilustre artista que pintara la pared del monasterio por una cantidad equivalente a 700 mil dólares ahora.
Se suponía que el artista, como muchos antes que él, pintaría sobre yeso crudo; después del pulido final, dicha pintura sería fuerte y duradera. Sin embargo, el mural impone sus limitaciones: además de la forma específica de aplicar pinturas (es necesario pintar de inmediato y blanco, es imposible realizar más correcciones), solo algunos pigmentos son adecuados para ello. Y luego su brillo disminuye, "devorado" por una superficie que absorbe bien.
Para Leonardo, que era escéptico con respecto a la autoridad, que llegó a todo por su cuenta y, aparentemente, estaba bastante orgulloso de esta circunstancia, tales restricciones eran insoportables. Con una escala verdaderamente renacentista, decidió rechazar el legado del pasado y volver a procesar todo el proceso, desde la composición del yeso hasta las pinturas utilizadas. El resultado fue predecible. La capa de pintura del mural comenzó a decaer ya dos décadas después del final del trabajo. Además de las soluciones técnicas fallidas, la imagen sufría de vez en cuando.
Primero, los habitantes del monasterio decidieron cortar los pies de Cristo haciendo una puerta en este lugar, y luego los pintores sin talento, tratando de renovar la pintura, pervertieron descaradamente su trama (por ejemplo, la mano de uno de los apóstoles se convirtió en ... un pan). El edificio se inundó, luego se construyó un pajar y una bomba golpeó el templo en la Segunda Guerra Mundial. Afortunadamente, el fresco no lo padeció. No es sorprendente que el 20% de la pintura original apenas llegue a nuestro tiempo.
Es interesante que esta imagen desmoronada y teñida de vez en cuando fuera la pintura más famosa de da Vinci, pero lo que hay allí, es la única disponible para el espectador común. El resto fueron mantenidos por los ricos de este mundo. El status quo cambió solo con la transferencia de Mona Lisa de la habitación de Napoleón al Louvre.
De los dos frescos restantes creados por da Vinci, solo los fragmentos han sobrevivido hasta nuestros días.
5. Hermosa Ferronier
Años de escritura: 1493 — 1497.
Dónde está: Museo del Louvre, París.
Materiales: pintura al óleo sobre una pizarra.
Dimensiones: 62 x 44 cm.
Una leyenda interesante está asociada con una de las pinturas más famosas de Leonardo da Vinci. Cuando la pintura llegó a Francia, uno de los propietarios escribió sobre ella: "ferronier". Esta misteriosa palabra (como la indudable belleza de una mujer) durante muchos años despertó la imaginación de personas cercanas al arte.
El galante "historiador del amor", Guy Breton, que vivió en nuestro tiempo, compuso una historia completa. Supuestamente, la belleza sin nombre era la amante de Francisco I, y ella comenzó a usar sus joyas para ocultar el moretón recibido durante la noche con el rey.
Lo más probable es que la pintura de Leonardo da Vinci con el nombre "Hermosa Ferronier" represente a Lucretia Crivelli. Fue una de las amantes del patrón de Leonardo, el duque de Milán. Y el nombre proviene de su decoración en la frente: un ferronier.
4. cabeza de niña
Años de escritura: 1500 — 1505.
Dónde está: Galería Nacional, Parma.
Materiales: pintura al óleo sobre una pizarra.
Dimensiones: 24,6 x 21 cm.
La imagen incompleta de una mujer joven con un peinado descuidado (de ahí el otro nombre de la imagen: La Scapigliata, andrajosa) fue pintada de manera similar a otras obras inacabadas: pinturas al óleo con un poco de pigmento. Sin embargo, los críticos de arte creen que el contraste entre el cabello apenas delineado y una cara perfectamente ejecutada fue parte de los planes del artista.
Leonardo probablemente se inspiró en un extracto del antiguo escritor Plinio el Viejo, popular durante el Renacimiento. Dijo que el gran artista Apelles dejó intencionalmente su última imagen de Venus Kosskaya sin terminar, y que los admiradores lo admiraban más que sus otras obras.
3. Santa Ana con la Virgen y el Niño Cristo
Años de escritura: 1501 — 1517.
Dónde está: Museo del Louvre, París.
Materiales: pintura al óleo sobre una pizarra.
Dimensiones: 168 x 112 cm.
El contenido de esta imagen es profundamente simbólico, Mary se sienta en el regazo de su madre Anna y extiende sus manos hacia la generación de su útero: el bebé Cristo. El cordero simboliza la mansedumbre y el destino venidero del Salvador como un sacrificio por los pecados del mundo.
Los contemporáneos apreciaron profundamente la vivacidad y naturalidad de las expresiones faciales de los tres participantes en la escena, especialmente la marca Leonard de la misteriosa media sonrisa, con la que Anna mira a su hija y su nieto.
2)Mona Lisa (Mona Lisa)
Años de escritura: 1502 — 1516.
Dónde está: Museo del Louvre, París.
Materiales: pintura al óleo sobre una pizarra.
Dimensiones: 76,8 x 53.
Probablemente sea difícil encontrar una persona en el mundo que no conozca la "Mona Lisa". Este es, con mucho, el trabajo más famoso de un talentoso italiano. Muchos de los misterios y secretos de esta pintura de Leonardo da Vinci aún no se han resuelto:
"Mona Lisa" fue de particular importancia en la vida del artista: no es ningún secreto que a veces, fascinado por algo nuevo, regresó de mala gana al trabajo interrumpido. Sin embargo, trabajó en Gioconda con pasión y pasión. ¿Por qué?
No está claro exactamente quién se representa en el retrato. ¿Era la esposa del comerciante del Giocondo? ¿O la misma mujer que posó para "Dama con armiño"? Incluso hay una versión de que Salai, uno de los aprendizajes del artista, representado por él en al menos dos cuadros más, actuó como modelo para Mona Lisa.
¿De qué color era originalmente el vestido Gioconda? Aparentemente, Leonardo experimentó nuevamente con pinturas, y nuevamente sin éxito, de modo que no quedó nada del color original de las mangas. Los contemporáneos, por cierto, admiraban el magnífico color de la imagen.
Y finalmente, la misteriosa media sonrisa: ¿está sonriendo en absoluto o es solo una ilusión creada hábilmente por la artista debido a las sombras en las comisuras de sus labios?
1. Juan el Bautista
Años de escritura: 1508 — 1516.
Dónde está: Museo del Louvre, París.
Materiales: pintura al óleo sobre una pizarra.
Dimensiones: 69 x 57 cm.
La última imagen del artista, que supuestamente representa a Salai, es uno de los aprendices del artista que, por razones desconocidas, disfrutó de la ubicación especial de Leonardo. El maestro perdonó mucho al estudiante. Hasta el robo de dinero para un impermeable comprado por adelantado, en el que Salai fue cubierto para Baco, una pintura que ha sobrevivido hasta nuestros días solo en forma de copia. La cara mimada, los rizos cuidadosamente curvados y una media sonrisa particularmente inmodesta dieron lugar a ciertas dudas sobre la naturaleza de la relación entre el maestro y el aprendiz.
Sin embargo, según los diarios del artista, es difícil entender algo: después de las acusaciones de sodomía a una edad temprana, evitó cuidadosamente mencionar su vida personal en cualquier lugar. Por voluntad, dejó su patrimonio y dinero, por cierto, a Leonardo del mismo Salai y otro de sus asistentes.
Autorretrato de Turín Leonardo da Vinci
Años de escritura: después de 1512.
Dónde está: Biblioteca Real, Turín.
Materiales: sanguina, papel.
Dimensiones: 33,3 x 21,6 cm.
Se considera un autorretrato del artista, pintado a la edad de 60 años. El retrato se hizo con un palo para dibujar a partir de caolín y óxidos de hierro, por lo que la imagen tiene un tinte amarillento. Actualmente no se exhibe debido a la fragilidad.
Todavía existe controversia en torno a la autoría de la obra popular, a pesar de que la eclosión va de izquierda a derecha, como estaba acostumbrado Leonardo, pero algunos historiadores del arte lo consideran falso. Según algunos informes, durante una encuesta de rayos X, se encontró una pintura fechada presumiblemente desde el siglo XVII bajo la imagen de un anciano.
La pintura más cara de Leonardo da Vinci en una colección privada: Salvador del mundo
Costo: $400 000 000
Años de escritura: 1499 — 1507.
Dónde está: Colección privada.
Materiales: pintura al óleo sobre una pizarra.
Dimensiones: 66 x 47 cm.
Que el autor de esta imagen fue precisamente Leonardo da Vinci, muchos críticos de arte dudan. Por esta razón, ella no estaba en nuestra lista principal. Sin embargo, el "Salvador del mundo", sin duda, es una de las obras de arte más caras de la historia.
En la subasta de Christie en noviembre de 2017, el lienzo se vendió por una cantidad impresionante de $ 400 millones. Ahora está almacenado en la colección privada de uno de los príncipes sauditas y, posiblemente, se exhibirá en la sucursal del Louvre en este país.
